Graphiste è tornato e sta proseguendo con due illustratrici così diverse tra di loro che proprio per questo spiegano al meglio l’anima di questo progetto: la poliedricità del fare nell’illustrazione italiana.
Se i magazine classici, le istituzioni (il sito dell’INPS è uno dei miei nemici dichiarati) e i tool settoriali (vedi Canva e Adobe Express) ci mostrano faccine arrotondate e linee che mantengono una curvatura precisa, il lavoro di Graphiste è quello di mostrare che oltre option (alt per chi non ha il Mac) + shift c’è di più.

Graphiste parte nel 2015 da una conversazione con un’illustratrice che presentava delle istanze a cui non avevo mai pensato, è lì l’eureka, ma adesso si dice insight: le illustratrici italiane sono diverse, si muovono con linguaggi vari e variabili e soprattutto che si annoiano davanti alla standardizzazione.
Quindi anche se funziona qualcosa, e ci può stare, non è detto che non ci sia altro e soprattutto che non si debba guardare altro.
Graphiste mostrava in contemporanea la diversità: adesso si concentra su un’illustratrice e la sposta dal suo orizzonte. Perché è un limite che si supera poco, nonostante le piattaforme varie: non si esce dalla nostra bolla, quella degli amici, quella dei nostri interessi e anche quella geografica.
Graphiste sposta l’attenzione dal punto di vista logistico. Quindi l’artista toscana si presenta a Pesaro e quella triestina a Roma.

Il 28 settembre si è inaugurata Solo L:sa non lo so, mostra personale di Lisa Gelli. Come nasce questo titolo: la mostra raccontava tanto del lavoro che Lisa aveva fatto negli anni e l’avrei voluta intitolare semplicemente: L:sa.
I due punti che Lisa sceglie per interrompere il suo nome aprono a universi vari e paralleli. Per me era sufficiente ed esplicativo, ovviamente non lo avrei proposto a chi nel suo nome ci vede un universo che strabocca, ma a Lisa Celli, sì, e infatti…
Lisa mi ha risposto dopo mesi di riflessione: solo L:sa non lo so. Ho pensato: ok, è perfetto.
Perché se Lisa non lo sa, io posso dire che lo so.

Si è trattato di un processo che parte e analizza la misura che l’artista, che vive e opera a Firenze, fa di sé stessa: tutto quello che è e che sarà non è mai solo suo, non è mai solo nostro, ma racconta il portato dei mille mondi che scegliamo di attraversare, che vogliamo che rimangano dentro di noi e che Lisa decide di restituirci.

Lisa Gelli è una delle artiste in Italia che più rappresenta una capacità di metamorfosi linguistica, il suo tratto pulito e ideogrammatico si carica di discorsi complessi e ricerche articolate che dialogano con i diversi supporti che sceglie di utilizzare.
Nella mostra pesarese, Lisa Gelli ha presentato tavole molto grandi e opere minuscole, carte e ceramiche, in un movimento continuo che è la sua azione artistica.
Sabato 28 settembre, il tavolo luminoso, lo spazio dedicato al fumetto di Pesaro, ha presentato per la prima volta Graphiste, il progetto itinerante dedicato all’illustrazione al femminile. Questa volta, nella città della cultura del 2024, io e Andrea Fievoli, abbiamo scoperto il lavoro di un’artista che dialoga con se stessa per poi raccontarsi al mondo che ha sublimato cancellando idiosincrasie e contrasti e che ha reso morbido con linee affusolate e colori che si mescolano.

Lo scorso fine settimana sono passata nel suo studio a Firenze per restituirle il suo mondo, contenta che abbia attraversato il mio, e quello di Andrea, il titolare del tavolo luminoso di Pesaro.

Ha accolto me e Suki, in uno studio enorme in cui i miei occhi si perdevano tra le piante e le librerie in multistrato elegante e semplice. Proprio come L:sa: un’artista visiva che si muove sulla carta come illustratrice e spazia sulle grandi dimensioni come muralista, riuscendo a dedicare la sua attenzione anche alla ceramica.

Lisa lavora come art director per agenzie di comunicazione, case editrici, compagnie teatrali e aziende di design.

Lisa è stata la prima illustratrice di questa stagione, che ne avrà solo due.
Lavorare con lei e con la sua sensibilità, rispetto ai temi che affronta e anche al mio pensiero curatoriale, è stato veramente molto importante per me.

Voglio che questa sia come una dedica a Lisa a cui tengo a dire: a presto.

Nella scorsa newsletter ho detto che devo chiudere il quadro progettuale altrimenti non mi do pace, ecco a volte invece non lo riesco proprio a chiudere.

Graphiste è un una mostra collettiva nata nel 2015 dopo una conversazione con un’illustratrice che mi raccontava la sua frustrazione perché contattata solo per illustrazioni dedicate all’infanzia, me lo diceva con il pancione, non negava nessuna possibilità, ma era disturbata di non esser considerata per altro. Rimasi basita, non immaginavo, non ci avevo mai prestato attenzione eppure il mio ambito di ricerca si stava concentrando maggiormente sull’illustrazione all’epoca.

Quando scopro quello che è ovvio e palese, non sento più accentuata la mia miopia, ma il mio astigmatismo, perché è come se qualcosa di lineare non mi si palesasse per nulla nella sua chiarezza, sta là, io ne vedo un’ombra e penso, che essendo solo un’ombra, non sia importante. Basta solo un pezzo di vetro per capire meglio tutto, per la miseria! Così dopo essermi stupita per una realtà che avrei dovuto constatare, anche solo negli scaffali in libreria, ho pensato a cosa potessi fare perché si sapesse quello che già, invece, mi era palese da anni: la capacità poliedrica delle illustratrici italiane. In Graphiste sarebbero state solo le illustratrici a parlare del loro lavoro, era necessario che raccontassero come preferivano anche perché era importante mostrare proprio tutta la continuità del loro fare che va dalla urban art, all’architettura, l’arte tessile, l’olio, la scrittura, il fumetto, la ceramica, la musica, il teatro, la danza, sì, anche la danza, perché ho conosciuto illustratrici che portano sulla carta tante prospettive e se balli non ingabbi le cose perché sei in movimento e lo è anche quello che disegni. Anche questo doveva essere raccontato. Per questo Graphiste è diventata una mostra in movimento.

Non avevo mai realizzato un progetto espositivo che non rispondesse a un tema, e non sapevo neanche come si facesse, cosa avrei dovuto chiedere all’artista? Decisi di non chiedere nulla. Solo dati tecnici: il formato, al massimo un A3, lo standard degli albi che si usano in illustrazione, e poi la carta. Avrebbero potuto scegliere un tema, oppure presentare lavori realizzati per altro che volevano che uscissero fuori dalle loro cartelle.

La mostra itinerante partì da Roma e si chiuse dopo undici tappe sempre a Roma. Aveva fatto il giro che volevo, l’avevo portata in dieci città italiane, avevo un piano: tornare nella città, in cui era partita, con undici illustratrici diverse da quelle della prima tappa. L’ho fatto ma non riuscivo a chiudere. Graphiste ormai era quello che costituiva la mia ricerca, ho visto in questi anni le illustratrici, presenti nel progetto crescere, evolversi, diventare le copertiniste di case editrici notissime e grafiche di case di moda rinomate, altre abbandonare il percorso artistico e dedicarsi ad altro. Alcune cose le devi lasciare andare, altre no, quello che ti identifica, e questa ricerca mi identifica, sapevo che non poteva diventare un capitolo chiuso. Un anno dopo aver detto a tutti che il viaggio di Graphiste era terminato, ero a Latina con un nuova mostra, stavolta personale, posta sotto lo stesso cappello: Ramona Iurato, illustratrice siciliana che vive e opera a Milano, si legava a Graphiste con LINK: la sua prima mostra personale era ospite di Latinadamare. La mia ricerca è cambiata, e lo ha fatto anche Graphiste. Solo mostre personali, solo artiste fuori dal loro giro di azione, e stavolta la storia la devono raccontare, ma la scelgono loro, nessuna indicazione curatoriale, se non il solito formato massimo, e lo stesso medium.

Sabato scorso a Roma, in occasione dell’ultimo giorno di Rome Art Week, la settimana dell’arte romana, la protagonista di Graphiste è stata Barbara Nevano. L’illustratrice milanese sarà ospite di Risma bookshop fino al 13 novembre.
Ho conosciuto Barbara Nevano su un libro, una copertina del Saggiatore: ero in libreria e una vampata di arancione circondò il nome Didion, autrice che io amo molto. Una raccolta di saggi che ha un titolo fondamentale: Perché scrivo. A quei saggi mi ci ha condotto l’eleganza della mano che regge il mento di un ritratto essenziale, semplice, pulito e coloratissimo. Quella copertina è stata il là per una mostra personale in cui Barbara Nevano ha presentato le ricerche per la costruzione delle sue immagini di presentazione di un libro. In questi mesi di lavoro ho capito la meticolosità di questa artista, e sì, si è artisti anche se non si usa l’olio, cari accademici. Barbara cerca la profondità anche in un’immagine piatta, elabora in virtù della collaborazione con il grafico editoriale. Le parole per lei non diventano semplicemente immagini, sono l’indagine sull’idea che le ha fatto nascere. Beyond the Cover è la storia di come si costruisce, di come si arriva a catturare gli occhi, anche quelli astigmatici e miopi di una lettrice persa in una libreria.

Sulle pareti di Risma bookshop sono state collocati i lavori preparatori del disegno finale, che si sviluppa su più proposte e su più discussioni con l’art director, la mostra ha la volontà di far capire come l’elaborato finale in ambito editoriale sia il risultato dell’incontro di più sguardi, anche quello di una curatrice che decide di trasformarlo in una mostra, un ennesimo racconto. Perché viviamo di storie, esplicate e sottese e quello di chi lavora sulle parole altrui è spesso un iter solitario nel suo aspetto più creativo, ma che poi si confronta con un mercato, quindi un pubblico, che è più vicino, e ha quell’approccio al materiale e al concreto molto più immediato rispetto a chi si dedica esclusivamente ad altre espressioni artistiche. Beyond the Cover esplica il flusso di lavoro di un’illustratrice con cui è veramente facile rapportarsi.

Graphiste è iniziato con uno scopo e adesso ha cambiato un po’ modalità, non immaginavo quando è iniziato, ma ha ancora tanto da dire, e ha trovato un nuovo modo per farlo perché le illustratrici italiane sono bravissime, e voglio portarle ancora in giro.

Nella prima edizione del festival, l’estate prima, avevo occupato tutte le sale che fiancheggiano il chiostro, ma c’era una cantina enorme e io ho pensato per un anno intero di non aver sfruttato tutto lo spazio. Mi sembrava di aver sprecato un luogo interessante che aveva anche una ghiacciaia e che nel mese di agosto, quando si svolgeva il festival, avrebbe attirato per forza di cose il pubblico della Valdambra.
Chiesi quindi a Martina Ronca, oggi l’altra anima di ZTL, di suggerirmi un suo progetto su cui collaborare. Martina mi fece conoscere Jacopo Paglione e Milza. Martina aveva strutturato l’apparato critico che legava tutti gli scatti di Jacopo, ed era un progetto potente, con un formato che mi riportava altrove, esprimeva l’impotenza del corpo e la sua fragilità ed era giusto da raccontare proprio in un’abbazia nelle colline toscane. Badia a Ruoti, a Bucine (AR), diventò la cornice di Milza.
Una cantina è umida anche in estate, e le carte della stampa, prive di cornice e vetro, inchiodate a dei pannelli di legno, le pareti dovevano rimanere intonse, si danneggiarono. Questa cosa non mi andò bene, lo sforzo, anche economico, di Jacopo avrebbe dovuto essere ripagato, gli promisi che le avremmo utilizzate per una mostra diffusa sui muri di Roma.

Quando ho saputo che le foto di Jacopo erano state pubblicate in due volumi, ho pensato: è ora. Adesso dobbiamo ritornare su Milza.
Jacopo non si era fermato, negli anni era nato Bedroom Tales, storie di ragazzi e dei loro spazi, tutto prima del lockdown, tutto prima di capire quanto anche i luoghi siano parte di quello che diciamo di noi. Una selezione degli scatti di Bedroom Tales era entrata a far parte della collettiva Ultraqueer, edito da Tlon, il volume curato da TWM Factory, che stava riaprendo la call for artists per una nuova mostra e un nuovo volume: Queer Pandèmia. Jacopo aveva già presentato gli scatti di Milza, quel lavoro avrebbe fatto parte di una nuova ricerca rivolta a un’espressività che, ad oggi, ha l’urgenza di essere storicizzata e non solo dichiarata. Ieri sera da Leporello photobooks et al. abbiamo parlato proprio di questa esigenza, proprio della giustezza di parlare di arte queer con l’esperienza e la cognizione di causa. Nella conversazione siamo partite dagli scatti di Bedroom Tales, ospiti in libreria, e poi è successo quello che si fa quando si parla di libri: mille collegamenti dall’Arte queer del fallimento, al Fungo alla fine del mondo, il fungo ingovernabile che riesce a ricavare il suo nutrimento anche dalla roccia, quella materia che sembra inerme e che è viva, quella materia che è richiamata nella copertina di Queer Pandemia che si apre sulla brossura a filo refe, e racconta la solidità dell’incompleto, come mi ha spiegato Stefano Cattani, il designer del volume che si è unito all’incontro al fulmicotone e che ha riportato tutta la discussione alla praticità dell’oggetto.
L’incontro si è sviluppato su più piani: quello teorico, grazie al supporto di Davide Lunerti, Carlo Battisti, che ha supportato in toto questo secondo appuntamento di ZTL, non voleva parlare, ma io non ho potuto fare a meno di tirarlo in ballo, e Nicola Bonimelli che ha seguito l’edizione dei due libri per Tlon. La sua voce mi sembrava conosciuta, come quella di un amico che avevo ascoltato ore al telefono, e infatti era proprio così: mi aveva accompagnato con gli Incontri con Gurdjieff nei viaggi in metropolitana o in treno per andare in accademia. Ho ripreso a studiare, questa volta qualcosa di pratico, sempre per quell’idea DIY che ho della curatela artistica.

Non so se si tratti di un’attitudine punk, forse è più quell’esigenza di avere il controllo con cognizione di causa, anche stendendo con una vecchia scopa e della colla da parati le foto di grande formato di Milza che sono durate per pochi giorni sulle pareti di un quartiere immerso nei volantini per serate di vario tipo, tra pioggia e chiari atti di protesta di fronte “all’uomo nudo”. Ma ieri sera mentre chiacchieravo con un’amica, dopo la stanchezza delle parole di fronte a un pubblico, una ragazza che era intervenuta all’evento mi ha detto che era contentissima di essere stata con noi e che aveva visto una delle carte in pericolo: si stava staccando. E io le ho semplicemente detto: valla a prendere. Per poi scriverlo a Jacopo e Martina e ricevere la risposta di Jacopo: tutto questo è bellissimo!

ZTL prosegue il 5 novembre e sarà ospite di Studio 54 a Torpignattara.
E nel frattempo torno con Graphiste, vi racconterò tutto la settimana prossima, forse anche domenica.

Ieri Studio Lombrico ha aperto, per la prima volta, le porte al pubblico del suo quartiere con una mostra e un workshop dedicato al libro I Gibanini e il grande fuoco, dell’illustratrice Rebecca Valente, che è stato presentato in un dialogo con Alessio Trabacchini.

I libri non solo negli spazi preposti alla lettura, ogni luogo è adatto alla lettura e ogni spazio può accogliere una mostra, con quest’ottica: un nuovo laboratorio di ceramica diventa lo spazio vivo per creare un incontro dove poter creare. Studio Lombrico, ieri ha ospitato, per la prima volta un workshop dedicato a una storia, quella dei Gibanini, le creature fantastiche create dall’illustratrice astigiana Rebecca Valente.

Di mattina si è svolto un laboratorio che ha visto la partecipazione di un pubblico molto eterogeneo, con un’età variabile dai dodici ai settant’anni.
Lo scrigno degli antenati ha aperto le porte dello studio di mattina e dopo tre ore quello stesso spazio si è trasformato in un luogo dove vedere e toccare i Gibanini. I personaggi del libro edito da Sigaretten hanno preso corpo nelle ceramiche dell’autrice e nell’omaggio che ne ha fatto Silvia Lombardi, sulle pareti: i disegni, le bozze, i colori che hanno dato forma a un libro innovativo nell’impaginazione e nella ricerca grafica. Una storia che si sviluppa sulle pagine arrotondate e che si è formata con le sovrapposizioni di ricordi che sono diventati poesia e mito. Rebecca Valente ha costruito un ricordo, non si è limitata a raccontarlo, trasformando e facendo vivere la rielaborazione che è diventata poesia, da questo approccio è partita la collaborazione con la ceramista Silvia Lombardi che ha sciolto i colori su creature affettuose, ricche cioè dell’affetto di chi le ha rese materiali.

Una mostra polimaterica che si è arricchita di calore, nel cuore dell’ottobrata romana, ci si prepara all’inverno con una serie di riti insegnati dai Gibanini: sulle pareti di Studio Lombrico è scesa la lunga coperta fatta di nodi intrecciati ai pensieri delle quattro artigiane che hanno unito la sapienza manuale al lirismo del colore. Il collettivo Crookie ha partecipato con la sua opera all’opening della mostra offrendo un altro incontro tattile dell’immaginario legato alla favola nata dalla creatività di Rebecca Valente dipanata in una conversazione con Alessio Trabacchini, editor di Coconino – Fandango e insegnante per l’ACCA Academy di Roma.

Ma c’è stata una sorpresa. Per caso, in occasione del finissage della mostra di Marco Petrella, ho conosciuto Martino Petrella, figlio dell’illustratore romano e editore di Profondissima, che nel primo numero di Tölt, rito di iniziazione ospita nelle sue pagine un intervento di Rebecca Valente. Ho subito pensato che avremmo dovuto parlarne.
Sapevo per certo che Alessio Trabacchini, sarebbe stato preparato anche su questa nuovissima espressione della grafica e del fumetto italiano; infatti solo fino a pochi giorni fa, Alessio, Rebecca e Martino trascorrevano le loro giornate al Treviso Comic Book Festival, se volete scoprire meglio come e perché vi consiglio di approfondire il Premio Balletty, che è stato vinto proprio da Martino nell’ultima edizione, qui solo alcune delle sue performance.

Comunque, ieri è andata a finire proprio in Balletty, nel link sopra consigliato vedrete Silvia ballare tra le sue ceramiche circondata dai Gibanini.
Io aspetterò qualche giorno per farvi un report e, non per anticiparvi, cosa sta per accadere il 25 ottobre. Il secondo incontro di ZTL si svolgerà da Leporello photobooks et al. e sarà dedicato alla fotografia, venite e farete parte della festa.
ZTL non è solo una rassegna, non è un vero e proprio festival, ma la definizione di festa ci sta tutta.

Sentivamo l’esigenza di continuare a raccontare i libri assieme, due anni fa abbiamo deciso di farlo.
Io e Martina Ronca siamo ZTL, Zone a Tema Lib(E)ro.

Non ho mai avuto un spazio mio, in realtà neanche una stanza, ma questa è un’altra storia e l’ho raccontata nel libro che ho curato per Edizioni del Frisco, Una stanza tutta per sé, omaggio e diniego del pensiero woolfiano.
Ho sempre cercato un posto per i miei contenuti e anche per la mia persona. Ho iniziato nel 2007 a Roma con il progetto collettivo Traslochi ad Arte: in due anni, io e Marianna Pisanu abbiamo coinvolto centinaia di artisti in happening multiartistici in tantissimi locali qui a Roma. Dopo il cambio di rotta di Marianna, e il suo ritorno a Genova, ho continuato da sola portato in giro i miei contenuti. Invece, Martina sì, Martina ha avuto un suo posto. Martina gestiva Inferno Store, un luogo dedicato alla cultura alternativa, Inferno Store era di Claudia Acciarino. Non ho mai scritto di Claudia da quando è scomparsa nel 2021.
Di quell’inverno ricordo una frase: a Roma ci sarà un prima e un dopo Claudia.
E sentivo che era vero e sapevo che lei non avrebbe voluto.

Claudia aveva ereditato lo sguardo indipendente di Hellnation, una libreria e discoteca storica negli anni Novanta a Roma che ha guidato e supportato la cultura alternativa in quel decennio. Quando la serranda disegnata da Andreco del Dal Verme si è abbassata per sempre, Claudia, che era una colonna portante del locale di musica al Pigneto, fremeva per fare altro. Dopo pochi mesi acquisì Hellnation e lo trasformò in una realtà interamente al femminile: Inferno Store, qui io curavo le mostre più estreme e più coraggiose che mi sia potuta permettere di fare. Dopo la perdita di Claudia, Inferno Store ha chiuso. Martina non aveva più un’amica e una mentore, e come me, neanche uno spazio.

Quella frase: ci sarà un prima e un dopo Claudia, mi ronzava in testa e quel dopo ci doveva esserci ma con la contezza di quello che era stato e che ha rappresentato per Roma, la musicista e organizzatrice di eventi, Claudia Acciarino.

ZTL è l’omaggio dichiarato che io e Martina abbiamo fatto e facciamo a lei.
Un trittico di incontri dedicati prima solo alla letteratura, che poi a poco a poco si è allargato anche alle esposizioni d’arte, e in questa ultima edizione prevede nel suo calendario un workshop dedicato alla ceramica. Ci muoviamo senza uno schema, siamo partiti nella galleria trasteverina di Up Urban Prospective Factory e per le due edizioni successive siamo rimaste più vicino a casa: nel Municipio V di Roma, che sta patrocinando la rassegna.

Sta per partire la terza edizione con una serie di incontri che si svolgeranno tra il 15 ottobre e il 5 novembre. Partiamo da Studio Lombrico, lo studio di ceramica di Silvia Lombardi che domenica 15 ottobre ospita il workshop di ceramica con l’illustratrice Rebecca Valente. I Gibanini e lo scrigno degli antenati è il nome di un incontro tra sei persone e le due insegnanti che si svolgerà la mattina in via Augusto Dulceri 146, e in serata Rebecca, l’autrice astigiana del volume illustrato I Gibanini e il grande fuoco, dialogherà con Alessio Trabacchini circondata da tutte le carte che hanno creato la storia edita da Sigaretten di Torino.
Senza una cadenza settimanale ben concordata, perché uno dei lussi che vogliamo avere è quello di essere libere, il 25 ottobre io e Martina presentiamo due
due volumi editi da Tlon, di Roma, dedicati alla ricerca dall’associazione culturale TMW Factory, Ultraqueer e Queer Pandémia, due libri d’arte che sono stati due progetti espositivi ospiti di Palazzo Merulana, Roma, il primo e del Base, Milano, il secondo. Noi abbiamo voluto approfondire il lavoro di uno degli artisti presente in entrambi i progetti: Jacopo Paglione, fotografo con cui io e Martina abbiamo lavorato nel 2018 in una mostra presentata nell’Abbazia di Badia a Ruoti (AR). Da Leporello photobooks et al., in via del Pigneto,162, Roma, ci sarà la mostra Bedroom Tales, e fuori in giro, scoprirete voi dove, Milza. Un progetto, che per il festival di Arezzo era stato presentato nella suggestiva cantina di un’abbazia del 1400, e che a ottobre invaderà i muri del Pigneto.

Chiudiamo il trittico con la presentazione del libro della nuova collana dedicata al racconto fantastico di Eris Edizioni, Torino, L’Espropriazione dell’attivista Caro Gervasi. Ci ospita il 5 novembre, Studio 54, e accoglie anche la mostra sopra, sotto sul …l’orizzonte, di Linda De Zen, ospite nel 2019 a Trieste e inedita a Roma, e che, per omaggiare il lavoro di Caro Gervasi, si arricchisce di una nuova ricerca individuando nel volto dell’autore la linea di demarcazione di un orizzonte che diventa fisico: gli occhi. Caro, che fa ricerca filosofica nella città in cui ha scelto di vivere, Bologna, sarà a Roma per dialogare con Demented Burrocacao, studioso, performer e amico mio e di Martina.

ZTL è questo: è il luogo in cui incontriamo amici e costruiamo altre relazioni, non è lo spazio fisico ma quello mentale che ci ha lasciato Claudia, perché c’è un dopo, è vero, ma un dopo che lei avrebbe voluto e sostenuto.

Da domani, 10 ottobre, porto a Roma un suo progetto espositivo che racconta, fino al 21 ottobre, un lavoro iniziato anni fa nella sede di Torpignattara della galleria Up Urban Prospective Factory e che si presenta con tre opere inedite per la mostra che sarà ospite da Spazio Urano, al Pigneto.
Alle 18.00 inauguro Identità in movimento. Spazio Urano torna a dedicare la sua attenzione, grazie a una mostra, alla ricerca di natura antropologica con le opere della pittrice e studiosa Elena Cermaria.

Identità in movimento è un lavoro che inizia anni addietro, nel 2020, grazie a un progetto performativo, ospite della galleria Up Urban Prospective Factory, il lavoro pittorico di Elena Cermaria era il moto a luogo verso cui si dirigeva il movimento che Silvia Di Ianni dedicava a Lucia Joyce, figlia e musa dello scrittore James Joyce. Un atto performativo conservato sul web e non offerto al pubblico per le prescrizioni dovute al Covid-19.
In questi anni Elena Cermaria ha continuato a lavorare sul tema della personalità, ispirata dalla figura Lucia Joyce, artista lei stessa, ballerina e musa di suo padre: un genio della letteratura. Divisa nel tentativo di guardare agli schemi e di rientrarvi, con la sua indole indomita e lontana dagli standard, Lucia Joyce ha portato l'artista pesarese verso l'acqua e la luce.

Il collegamento sinestetico ha congiunto punti di vista differenti cercando altre identità non da analizzare, non da raccontare, ma da intercettare. Elena Cermaria non vuole rinchiudere in una spiegazione, vuole descrivere un movimento personale che diventa collettivo.
La consapevolezza che sia impossibile creare una cornice solida, inserire in un inquadramento valido e che tutto quello che non è intorpidito è per forza di cose non statico e vitale.
Nello specchio l'artista vede un attimo, l'attimo dopo non c'è già più, è superato; nello specchio c'è una visione valida, distorta, sincera ma deformata, attraversata da più secondi e da più gesti. L'arte nei quattro lavori presenti in mostra da Spazio Urano parte dallo specchio e si esplica in più strappi: una rottura che indica la coincidenza di quello che si può ricongiungere o che può rimanere staccato.

Raccontare Elena Cermaria e il suo lavoro in poche righe è difficile perché la sua arte è fatta di continuo fremito. Elena ha iniziato a disegnare da piccolissima e si è appassionata a questa arte da autodidatta per riuscire a esprimere la sua poliedrica realtà interiore. La sua cifra artistica affonda le radici nei suoi studi antropologici e letterari, che costituiscono le fondamenta di ogni sua ricerca artistica e stilistica. Elena usa la pittura su carta e su tela per indagare l’essere umano, non si tratta di una speculazione estetica, ma di una ricerca poetica che dipana i turbamenti che si sviluppano diacronicamente e che implicano l'evoluzione del singolo nel suo apparato sociale. La sua pittura ha una funzione antropologica, nell'evoluzione stessa che ha questa branca di studi che osserva la persona e il suo ambiente esterno oltre che quello più intimo. La pittura come la poesia possono diventare i tempi e le stasi per una nuova antropologia, che non cerca il solo ed esclusivo punti di vista della fotografia, falsato da una visione parziale, ma da una coincidenza tra l'osservatore e l'osservato in una comunanza di intenti senza nessuno scalino a separare i due elementi dello studio: l’osservatore e l’osservato.

Non potendo più avvalersi di cornice scientifica, non potendo prevedere e svilupparsi con un metodo empirico, la visione sul campo si può sviluppare con mezzi legati all'empatia come la pittura e la poesia. Con Elena Cermaria inizio un percorso di approfondimento rispetto ai nuovi strumenti che possono essere usati in questa ricerca.

Quando Martha Michali mi ha invitato a presentare il suo libro fotografico Ninnoli, edito da Lotta Books, sono stata felice di poter tornare a parlare di fotografia, quando poi mi ha inviato il materiale sul libro di cui avrei dovuto dire, mi sono sentita competente in materia. Ninnoli è un libro piccolissimo, 6x7 cm, nella sua stessa presenza dichiara il suo contenuto, ha tre ganci e volendo, con un’attitudine con cui credo Vivienne Westwood sarebbe concorde, potrebbe diventare la charm di una catena. Ninnoli è grande quanto un lucchetto e come un lucchetto protegge dei ricordi, preservandoli gli ha dato una forma fisica, e in un periodo in cui le grandi collezioni sono palesemente fuori tempo, Ninnoli conserva occupando uno spazio minimo che permette sempre confronto e crescita, si può arricchire facilmente perché non presuppone una ricerca ma un riconoscimento.

Ho lavorato tanto tempo con progetti espositivi che raccogliessero piccole opere, che per me erano dei ricordi, EX(IT) VOTO, la mostra con 110 artisti ospite della galleria di Roma Parione9 e poi di amaneï a Salina, Eolie, e al Festival Beu Beu del 2018 nell’abbazia del 1400 di Badia a Ruoti, (AR), spiegava solo questo: un ricordo. La mostra partiva dalla conservazione dei santini di mia nonna. Il piccolo oggetto è diventato la spiegazione di tanto, di troppo, tanto da ispirare alla creazione.
Avendo una formazione antropologica l’idea dell’archivio e della catalogazione mi appartiene, e la volontà di trasformare un archivio in qualcosa di bello spiega, credo, la mia passione per gli orti botanici, ne amo due in particolare modo: quello di Roma nato dalla volontà dalla principessa queer Cristina di Svezia e il Giardino della Minerva, creato nel XVIII secolo dal medico della scuola salernitana Matteo Silvatico. Sono due giardini all’antitesi, i 12 ettari dell’opulento e variegato Orto Botanico di Roma è in netto contrasto con l’ordine medievale e la consegna di una ricerca divergente del piccolo giardino campano che si percorre camminato verso su.
Come si può catalogare in modo così diverso? Si tratta sempre di piante. Ma il pensiero di evolve e muta e anche nella sua capacità organizzativa.
Martha Michali usa la fotografia sua materia prima e i libri, la sua seconda materia, consegnando non tanto i suoi oggetti, ma il suo ordine, il suo rigore nella catalogazione della sua memoria.

Lo fa per far festa.
Lo fa per creare condivisione. Non sta parlando di sé, sta parlando delle nostre cose piccole, sta cercando altri piccoli oggetti i nostri, li cerca non per appropriarsene ma per vederli e stupirsi dei nostri racconti a cui sono legati.
Sono certa che durante la presentazione di domani, ci saranno molte voci che diranno: “questo” lo avevo anche io; “questo” io l’ho perso, che peccato… io ho “questo”, ti piacerebbe.
Un catalogo, un museo, una biblioteca deve riportare un pensiero ne deve creare altri, deve spiegare la vita, deve parlare del passato conservandolo e dicendo a noi oggi.

Forse non potrò mai essere una collezionista, ma so per certo che amo le collezioni altrui, quella che più mi fa viaggiare con la mente è quella ospite del Museo delle Arti e Tradizioni Popolari di Roma. Un museo statale italiano che si trova in zona Eur e ha una collezione di fischietti italiani di terracotta costituita da circa trecento unità raccolte tra il 1906 e il 1910 da Lamberto Loria. La musica, la festa, anche quella va conservata e catalogata, e va spiegata perché ci possa dire di noi. Infatti la presentazione di Ninnoli sarà una festa con l’intervento di Mira (aka FC), Francesca Colombo, violinista e compositrice: la festa è cultura e diventa memoria da legare a qualcosa di fisico anche se piccolo, basta anche un ninnolo per raccontarci.

Vi aspetto domani alle 11.00 per fare festa con i ricordi e per crearne uno assieme.

Il progetto espositivo presentato ieri da Risma bookshop, di Roma, è l’avvio di un percorso tra le immagini che accompagnano le pubblicazioni di Marco Petrella.

Prima di 2666, presente in mostra da Risma, l’illustratore romano ha omaggiato le visioni di On the Road di Jack Kerouac e il lavoro della scrittrice contemporanea Jennifer Egan.

La cartella di 2666, dedicata a Roberto Bolaño, fa parte di Disegnare libri impossibili: il progetto ideato, dall’illustratore della «Lettura» del «Corriere della Sera», per dare colore a libri ostici, inusuali, difficili da interpretare. Per 2666 Marco Petrella ha accompagnato la lettura alla sua parafrasi grafica: disegnando una tavola per ogni capitolo.

Il libro di Bolaño era inizialmente pensato dal suo autore diviso in cinque volumi, e letti dal pubblico nella sequenza che avrebbe preferito. Un gioco che gli autori iberoamericani usano di frequente, ricordo Rayuela di Cortazár di cui prima o poi riprenderò la lettura, mi riprometto. Marco Petrella ha preso i cinque capitoli (presentati qui in Italia in due volumi: I; La parte dei critici – La parte di Amalfitano – La parte di Fate e II; La parte dei delitti – La parte di Arcimboldi) e ne ha fatto una sintesi illustrativa presentata in una cartella autoprodotta, da questi lavori di grafica siamo partiti per la costruzione di una mostra che parlasse del libro e dell’autore.

—2666 è la summa della poetica di Bolaño, tomo di oltre 900 pagine, disegnarlo a puntate mi ha aiutato ad attraversare i mondi che descrive: la ricerca del misterioso scrittore scomparso, la violenza e i delitti in Messico, la contorta vita di Benno Von Archimboldi.

Così Petrella racconta il suo lavoro sui grandi romanzi: una dedica, un omaggio, un’idea che accompagna le parole che sono reinterpretate graficamente supportando chi si approccia a elaborazioni scritte lunghe e complesse. Il disegno avvicina alla lettura, la ferma e dà un riferimento visivo per bloccare un momento del percorso del lettore.

Ieri si è parlato del volume dell’autore cileno, che in Italia è pubblicato da Adelphi con la tradizione di Ilide Carmignani, in rapporto con il graphic novel di Petrella e Filippo Golia, pubblicato nel 2022. Assieme agli autori si è analizzata la figura del poeta Richard Brautigan, poeta statunitense indicato come l’ultimo beat che lo sceneggiatore e l’illustratore hanno raccontato nel Bacio Fantasma.
Filippo Golia, giornalista inviato del Tg2 e autore di graphic novel e libri per bambini, ha avanzato la teoria che lo scrittore tedesco Benno von Arcimboldi (il misterioso autore che fa partire la ricerca dei personaggi del primo volume di 2666, La parte dei critici) fosse chiaramente identificabile con Richard Brautigan. Partendo dalla descrizione fisica, Benno von Arcimboldi, come Richard Brautigan, è alto e indossa un cappotto nero con il colletto alzato, per arrivare alla descrizione delle poesie di von Arcimboldi che potrebbe perfettamente essere adatta alle parole dell’autore morto suicida nel 1984.

Una teoria che ben si lega alla ricerca continua in 2666, e che paradossalmente, io ne ho sentito parlare solo ieri in occasione della presentazione, si è legata all’allestimento pensato per la mostra.
Partendo da un’esigenza pragmatica: cornici sì o cornici no, ho pensato a tavole di legno, semplice multistrato, che ricordasse una lavagna di appunti, come quelle che vedevo nel film dove si cercava il colpevole osservando le mappe e cercando di trovarci un nesso. Spilli, fili, fogli con nomi, un moodboard che racconta una storia da indagare: la scrittura.

La mostra si chiude venerdì 13 ottobre con un’altro libro e con la sua presentazione. Piccolo Omaggio a Pascali è edito da Andante Books con il testo di Roberto Lacarbonara, si tratta di piccolo volume che raccoglie anche un estratto dai Discorsidi Carla Lonzi e Pino Pascali e sarà raccontato da Edoardo Marcenaro, redattore collezionista e curatore di mostre, che negli ultimi anni si è concentrato su progetti in cui ha presentato banconote americane rigorosamente originali, dai dollari che Andy Warhol firmava alla fine delle sue feste alla Factory, fino ad arrivare ai dollari distribuiti da Edoardo a tutti i suoi amici artisti per trasformarli in opere d’arte.

La mostra di Marco Petrella, dedicata alla letteratura, si chiuderà quindi con un’attenzione specifica all’arte contemporanea, immaginate quanto io sia contenta di questo aspetto, anche perché indica come l’illustratore Marco Petrella nello specifico e l’illustrazione in generale, possa e sappia attraversare diverse sensibilità.

Al prossimo progetto!

L’estate scorsa è nata l’idea di un progetto per l’associazione Mediterranea Saving Humans, da domani questa mostra è realtà per il festival A Bordo!

La mostra artistica . . poi si discute raccoglie le esperienze di persone che hanno operato soccorso in mare e in terra, tramite il lavoro di sedici artistə e collettivi.

L'idea del progetto espositivo è nato dalla volontà di esprimere una testimonianza che non si limita a una sola forma narrativa. Le parole dellə attivistə si sono trasformate in più medium per coinvolgere maggiormente l'esperienza sensoriale del pubblico. Le testimonianze sono diventate immagini tattili negli intrecci delle sculture in penna 3D di Linda De Zen, nelle visioni immaginifiche dell'intelligenza artificiale guidata da Riccardo Trono. E poi quattordici punti di vista, tutti profondamente diversi, espressi su carta da illustratorə e urban artist, sono la presentazione cromatica che va oltre la cronaca e diventa empatia nei diversi segni e linguaggi che vogliono esprimere tutti il sostegno all'azione di proteggere le persone prima dei confini.

Si è scelta la carta e il formato del manifesto perché questo è uno strumento usato per una comunicazione popolare, efficace e collettiva. Il manifesto ha avuto il ruolo, nel corso dei momenti storici più rilevanti, di diventare un silente urlo di disaccordo e di denuncia, in grado di rendere anche i muri delle città capaci di cancellare l'indifferenza.

Le opere in esposizione sono di Marco About, Flavia Bucci, Alessandra Carloni, Annabella Cuomo, Chekos'art, Linda De Zen, Lisa Gelli, Lola Giffard-Bouvier + Elia 900, Gojo, Guerrilla Spam, Veronica Leffe, Monograff, Pax Paloscia, Riccardo Truono, Rebecca Valente, Urto.

Il progetto è stato creato grazie al supporto delle attiviste Viviana Couto Sayalero e Sara Alberani, e parte da uno dei motti dell'associazione Mediterranea Saving Humans: Prima s i salva e poi s i discute.

Opere inedite realizzate ad hoc per il Festival ABordo!, la mostra è ospite negli spazi espositivi della Città dell'Altra Economia di Roma dal 7 al 10 settembre 2023.

La mostra fa parte di un festival con tantissimi appuntamenti e incontri.
Qui tutte le tre giornate del festival.

Mercoledì 23 agosto alle ore 19.00 nel parco del Torrione di via Prenestina mi soffermerò a capire come da un fumetto di sole tredici paginette possa svilupparsi una storia non sense basata sul rispetto degli animali, buoni e cattivi che siano.

E poi ballerò grazie alle musichette che sceglierà per noi T8tino, voi verrete?

Nel parco che sta accogliendo le mie serate romane, che mi sta regalando musica, scoperte editoriali e chiacchiere tra amici, racconterò di Marco About che è un illustratore, di mostre ne ha fatte anche al MADRE di Napoli e di poster pure per i Melvins, e che adesso si è messo anche a fare i fumetti dedicati ai paesi, oppure ai lupi, o a tutti e due. Insomma cercherò di sviscerare la questione dei lupi nei paesi sviluppata per la collana Lucky 13 Rebel Comics che è curata da Dast per In Your Face Comix.
Con noi chiacchiererà anche Riccardo Rottaro, l’editore della casa editrice di Aprilia specializzata nel fumetto underground d’Italia.

A cercare di capire come sia nata la passione di Marco About per il lupo di Morlupo mi porterò la mia piccola lupetta: Suki. La mia shiba inu bianca, affinché le quote rosa siano rispettate.

Subito dopo aver abbassato la serranda della serigrafia Screamprinting arriverà il gattaro più punk di Roma Est, T8tino, lui metterà le melodie più morbide e adatte a tutte le orecchie anche a quelle dei piccolini pelosetti.
Mi sembra una serata carina e per questo motivo vi sto invitando.

Grazie per esser arrivatə fin qui!

L’arte figurativa torna sulle tele e si colora di tinte forti che disegnano una generazione cresciuta con i manga giapponesi e i personaggi disneyani.

Strange Opera presenta un nuovo approccio all’arte che mescola la cultura più elevata ed elitaria con il pop.

Negli anni ’70 negli States nasceva il concetto di lowbrow art, grazie a Robert Williams che individuava nella sua arte una derivazione dal basso con nessuna aspirazione rispetto ai concetti astratti rinchiusi nei musei d’arte contemporanea. Quell’arte, che si sviluppava nell’underground metropolitano, aveva un linguaggio più diretto e più immediato con il pubblico, per questo era riconosciuta e sentita come propria.

Un’arte che nasceva dalla customizzazione delle tavole da surf e delle moto Harley Davidson, dai tatuaggi e dal fumetto e che si mescolava alla tradizione dell’illustrazione ottocentesca, al surrealismo messicano, aggiungendo aspetti gotici più europei e a dominare tutto c’era e c’è il pop, inteso come popolare e riconoscibile.

La lowbrow art continua a evolversi e sviluppa i fermenti di cui si nutre: street art, tattoo art, illustrazione, fumetto, tiki art, cinema, videogiochi e si eleva in un linguaggio sofisticato che ricerca il simbolismo nella cultura rinascimentale pur rimanendo appigliata alle espressioni quotidiane, la tecnica diventa sempre più elaborata e mescola la tecnologia più avanzata con la ricerca cinquecentesca: nasce il pop surrealism.

La lowbrow art e il pop surrealism hanno riportato la figura al centro dell’espressione artistica, un rinnovato Rinascimento che si diffonde grazie al web: l’uomo vitruviano non è rinchiuso nelle misure perfette del cerchio e del quadrato ma si trova a dialogare con un linguaggio binario, affrontando un’evoluzione comunicativa e di rapporti che lo rende costretto a rifugiarsi in forme conosciute.

Un progetto curatoriale di Strange Opera ha la mia direzione artistica, la ricerca che voglio portare avanti ha lo scopo di presentare una nuova sensibilità ricercando i fenomeni analoghi in spazi preposti e non a un’espressione artistica che appartiene al nostro subconscio.

Sabato 22 luglio, il tavolo luminoso, lo spazio dedicato al fumetto di Pesaro, ha presentato per la prima volta un progetto espositivo interamente dedicato a Valo.

Dopo Roma e poi Latina, ho portato a Pesaro il lavoro della fumettista e illustratrice Valo. A Pesaro, la ricerca artistica di Andrea Fievoli per la galleria Il tavolo luminoso approfondisce il lavoro surreale e contemporaneo dell’artista di Isernia.

Sulle pareti della galleria verranno presentati al pubblico i lavori editoriali per Eris edizioni e Bauci Press e anche tutto il lavoro indipendente presentato nei festival di tutta la Penisola che ha formato e costruito lo stile di Valo.
Nelle precedenti mostre nel Lazio, strutturate dall’associazione Strange Opera, ci si è soffermati sul volume del 2021 Cronache di Amebò edito da Eris e sul sequel su cui l’artista stava lavorando: Gattonde e Big Paperolla: prova a prendermi, un progetto realizzato per Bauci Press. In esposizione, per l’ultima mostra della prima stagione espositiva del Tavolo luminoso, ci saranno le prove di stampa serigrafate del leporello pubblicato dalla casa editrice di Modigliana (FC) nata da un’idea di Samuele Canestari, Noemi Gurioli e Lidia Linari. Gattonde e Big Paperolla:prova a prendermi è un oggetto da collezione realizzato artigianalmente da una piccola casa editrice che punta su elaborazioni grafiche uniche, che ricordano il passato di un luogo che era un’antica tipografia. Mentre lavora al suo prossimo fumetto per Eris, questa mostra a Pesaro racconta come si è formato il suo mondo immaginifico che oggi è un percorso fatto di storie surreali e super colorate.

Valo è una fumettista e illustratrice laureata nel 2015 all’Accademia di Belle arti di Napoli. Successivamente si iscrive al corso di fumetto della Scuola italiana di Comix di Napoli per approfondire le tecniche di disegno su carta. Assieme a Francesca Pannone fonda le Sorelle Caos, un progetto grafico autoprodotto che prevede la creazione di storie brevi illustrate tra l’ironico e l’assurdo il tutto in uno stile pop. Ma è solo dopo aver girato vari festival di autoproduzione (Crack!Festival, Ue’ Fest, Zapp!Festival ) che Valo decide di mettersi alla prova creando un fumetto tutto suo. Che arriva in nomination per il premio Cecchetto 2021 (premio Boscarato) al TCBF come artista rivelazione e si aggiudica il premio Bartoli come miglior promessa del fumetto italiano all’ARF!Festival 2022.
Nel corso di questi anni ha pubblicato sulla rivista «Kaleydoskop», «lo Spazio Bianco», «Mulieris Magazine» e sull’inserto a fumetti di «Domani». Ha partecipato con le sue opere alla mostra TU-SAI-CHI organizzata dall’ARF!festival, e alla mostra UNDERGROUND: Le ragazzine hanno preso il controllo organizzata dal Treviso Comic Book Festival 2021. Tra il 2022 e il 2023 ha esposto a Roma in occasione di Rome Art Week e negli spazi museali della Vaccheria di Roma con un progetto curatoriale di Sergio Toppi per l’Arf!Festival.

Il tavolo luminoso apre a Pesaro nel 2023 grazie alla volontà del collezionista Andrea Fievoli, che trasforma la sua passione in un racconto alla sua città di come sta crescendo il fumetto in Italia e nel mondo.

Il progetto curatoriale è firmato Strange Opera, l’associazione culturale romana di cui curo la direzione artistica con questa mi muovo in tutta Italia per diffondere la cultura alternativa e pop.

Il tavolo luminoso | Info. + 39 3467013465 | iltavololuminoso@gmail.com
merc. –  sab. 10:00 – 12:00, 16:00 – 20:00 | dom. 16.00 | 20.00